Hierzulande dürfte Winnie Puuh alias Pu der Bär hauptsächlich durch diverse Disney-Filme und TV-Serien bekannt geworden sein. Da demnächst mit Christopher Robin ein weiterer Disney-Film zum Thema ansteht, ist es nicht unpassend, wenn zuvor eine englische Produktion in die Kinos kommt, die die durchaus tragische Geschichte über die Entstehung des beliebtesten Kinderbuchs der Welt erzählt.
Der erfolgreiche Punch-Humorist Alan Alexander Milne kehrte 1916 traumatisiert aus der Hölle des Ersten Weltkriegs zurück. Seine Ehefrau Dorothy brachte einige Jahre später ein Kind zur Welt. Sie litt sehr unter den Qualen der Geburt und noch stärker darunter, dass sie mit Christopher Robin einen Jungen das Leben schenkte. Sie hatte bereits eine komplette Ausstattung für ein Mädchen gekauft und zudem noch die nicht unbegründete Befürchtung, dass ihrem Sohn der Einsatz im nächsten Krieg drohe.
Die Milnes erwarben ein Landhaus. Hier verlebten Vater und Sohn eine glückliche Zeit. In den Wäldern der Umgebung dachten sie sich Geschichten aus, in deren Zentrum Christopher Robins Plüschtiere standen. Die daraus resultierenden Bücher mit Winnie-the-Pooh wurden zu einem großen Erfolg. Da Milnes in ihnen auch seinen Sohn Christopher Robin auftreten ließ, wurde dieser zu einer überall herumgereichten Berühmtheit, was nicht nur positive Auswirkungen hatte…
Sehr sensibel und mit vielen Zwischentönen setzt Simon Curtis (My Week with Marilyn) den Film in manchmal vielleicht etwas zu schönen Bildern in Szene. Er hat großes Glück mit seinen Hauptdarstellern, die nicht völlig unsympathisch wirken, obwohl sie ziemliche Rabeneltern spielen, die ihren Sohn lieber der Obhut einer Nanny (und später eines Internats) überließen, als sich selbst mit ihm abzugeben.
Brendan Gleesons Sohn Domhnall (Alles eine Frage der Zeit, Star Wars) gelingt es in kurzen Sequenzen glaubhaft einen unter Kriegstrauma leidenden Menschen zu verkörpern. Die Australierin Margot Robbie (Legend of Tarzan) macht aus der unberechenbar und rücksichtslos agierenden Mutter Dorothy kein völliges Monster, obwohl sie das Zeug dazu gehabt hätte, wie ihre Verkörperung der Harley Quinn in Suicide Squad bewiesen hat.
Wer diesen Film gesehen hat, dürfte künftig einen anderen Zugang zu den manchmal etwas arg süßlichen Geschichten von A. A. Milne haben.
10 Jahre nach seinem Regie-DebütTatsächlich… Liebe versucht sich Richard Curtis, der auch die Drehbücher zu den britischen Filmhits Vier Hochzeiten und ein Todesfall und Notting Hillverfasste, an einer neuen romantischen Komödie. Diesmal erzählt er jedoch nicht nur halbwegs realitätsnahe Geschichten von Menschen, die – inmitten eines großen Ensembles sympathischer Nebenfiguren und untermalt von Brit-Pop-Klassikern langsam – aber sicher zueinanderfinden.
Möglicherweise wurde Curtis inspiriert durch seine Erfahrung als Drehbuchautor der Science Fiction Serie Doctor Who, für deren 5. Staffel er einen schönen Zeitreise-Zweiteiler schrieb, der den Doctor mit Vincent Van Gogh konfrontierte. Genau wie der Held der langlebigen britischen TV-Serie kann auch die Hauptfigur von Alles eine Frage der Zeit durch die Zeit reisen. Tim Lake braucht hierzu jedoch keine blaue Polizei-Notruf-Bude, sondern muss sich nur in einen Schrank stellen und die Hände zu Fäusten ballen. Er kann auch nicht das ganze Universum bereisen, sondern nur Stationen seines Lebens noch einmal erleben und dabei versuchen vermeintliche Fehler auszubessern.
Tim wird von Brendan Gleesons Sohn Domhnall zwar sympathisch aber auch etwas blass verkörpert, wobei jedoch Laurence Oliviers Worte bedacht werden sollten: “Wenn jemand Romeo richtig gut spielen kann, ist er schon viel zu alt dafür.“ Tim Lake erfährt von seinem Vater (angenehm schräg wie fast immer: Bill Nighy) an seinem 21. Geburtstag, dass die Männer seiner Familie diese Fähigkeit zum Teitreisein haben. Daraufhin versucht Tim sein nicht vorhandenes Liebesleben in Gang zu bringen. Objekt von Tims Begierde ist die junge in London lebende US-Amerikanerin Mary, die von der viel beschäftigten Rachel McAdams (Sherlock Holmes) mit beträchtlichen Mut zum Alltagslook gespielt wird.
Wer bei der Grundidee des Films an Und täglich grüßt das Murmeltier denkt, liegt nicht völlig falsch. Sehr gelegentlich lässt Curtis seinen Tim – ähnlich wie den von Bill Murray gespielten TV-Wettermann Phil – eine Situation immer wieder neu erleben, wobei er versucht diese zu optimieren. Doch anstelle von Harold Ramis’ “Lebe den perfekten Tag und alles wird gut“-Philosophie versucht Richard Curtis zu vermitteln, dass so etwas wie Zeitreisen eigentlich völlig unnötig sind, denn Tim findet auch ohne diese sein Glück. Dies kommt auch sehr gut rüber, denn ohne das unausgereifte Zeitreise-Brimborium hätte Alles eine Frage der Zeit die Filmographie von Curtis um eine weitere richtig gute romantische Komödie bereichert.
Während die Blu-ray von Alles eine Frage der Zeit reichlich mit Extras wie Audiokommentar, Making-Of-Dokus und Musik-Videos gesegnet ist, gibt es auf der DVD keinerlei Bonusmaterial.
1956 kam Marilyn Monroe nach England. um dort die Komödie Der Prinz und die Tänzerin zu drehen. Ihr Co-Star und Regisseur war die britische Theaterlegende Lawrence Olivier. Die Dreharbeiten verliefen alles andere als harmonisch. Olivier, der selbst gerne ein Filmstar geworden wäre, neidete der Monroe ihren Ruhm und tyrannisierte die alles andere als selbstbewusste, an ihren schauspielerischen Fähigkeiten zweifelnde, junge Frau. Sie rächte sich durch Unpünktlichkeit und verschwand gar für einige Tage gemeinsam mit dem jungen dritten Regieassistenten Colin Clark…
Clark verarbeitete seine Erlebnisse während des Filmdrehs zunächst zum Buch The Prince, the Showgirl and me, schwieg sich hier jedoch über seine mit dem Filmstar verbrachten Tage aus. Erst Jahre später lieferte er in einem weiteren Buch My Week with Marilyn nach. Dieses diente einem bestens besetzten Film als Vorlage. Der genau wie dieser als Shakespeare-Interpret, Filmschauspieler und Regisseur gefeierte Kenneth Branagh ist als Lawrence Olivier die Idealbesetzung. Zwar ist die britisch-amerikanische Produktion nicht daran interessiert den legendären Mimen komplett zu demontieren, doch Branagh liefert – hart am Rande zur Karikatur – das Porträt eines eitlen Selbstdarstellers, der es nicht verkraftet, wenn einmal jemand anders im Rampenlicht steht.
Die hochtalentierte Michelle Williams, unvergesslich ihre ultrarealistische uneitle Darbietung in Blue Valentine, will zunächst als Marilyn Monroe nicht so recht einleuchten. Doch schon nach kurzer Zeit gibt es keine Zweifel mehr: Die Williams, die es sich nicht nehmen ließ auch einige Monroe-Songs persönlich zu singen, IST die blondierte Kino-Ikone. Auch das übrige Ensemble ist großartig. Der sympathische Eddie Williams ist perfekt als naiver Colin Clark, Judi Dench überzeugt als spitzzüngige Charakterdarstellerin, Julia Ormond ist perfekt als alternde Vivien Leigh und Emma Watson schafft in einer kleinen aber wichtigen Nebenrolle mühelos den Absprung aus dem Harry-Potter-Universum.
My Week with Marilyn ist oftmals sehr komisch und gelegentlich auch ganz schön tragisch, kurzum ein richtig guter Film!
2013 erregte die britische Serie Broadchurch viel Aufsehen. Roter Faden war die Jagd nach dem Mörder des 11-jährigen Danny Latimer und die Auflösung in der achten Episode war wirklich eine schockierende Überraschung. Doch ebenso wichtig für den Erfolg von Broadchurch waren Stil, Besetzung und Schauplatz.
Die landschaftlichen Reize rund um das südenglische Küsten-Städtchen Broadchurch wurden in den schönsten Farben eingefangen. Die ungewöhnlichen Klänge des isländischen Komponisten Ólafur Arnalds unterstützten die Pracht der Bilder. Morde und andere Untaten wirken vor diesem scheinbar idyllischen Hintergrund noch widernatürlicher.
Genauso spannend wie die Aufklärung des Kriminalfalls verlief die Entwicklung der Beziehung zwischen den beiden emotional völlig unterschiedlich Kriminalisten. Die nicht mehr ganz junge Ellie Miller hat es unter großen persönlichen Einsatz geschafft Kriminal-Beamtin zu werden. Doch den ihr in Aussicht gestellten Posten erhielt, trotz seines zweifelhaften Rufs, ein gewisser Alec Hardy.
Olivia Colman (The Night Manager, The Crown) und David Tennant (der 10. Doctor Who) dabei zuzusehen, wie sie sich aneinander abarbeiten, ist einer der ganz großen Reize dieser Serie. Doch auch wie Jodie Whittacker (der 13. Doctor Who) als Beth Latimer versucht anderen Opfern von Untaten zu helfen, anstatt sich – wie ihr Ehemann Mark (Andrew Buchan) – in Trauer aufzugeben, ist ganz großes Fernsehkino.
Bereits ein Jahr nach Broadchurch entstand mit Gracepoint eine US-Adaption, in der David Tennant unter anderen Namen (Emmett Carver) einen identischen Charakter spielt. Doch trotz der guten Besetzung, u. a. war Nick Nolte mit an Bord, konnte sich diese Version nicht durchsetzen und wurde nach 10 Episoden eingestellt.
Die 2015 entstandene zweite Staffel von Broadchurch hingegen war die souveräne Fortführung eines Erfolgskonzepts. Erzählt wird hier der spektakuläre Verlauf des Prozesses gegen den Mörder von Danny Latimer und zugleich versucht Alec Hardy jenen Fall zu klären, der ihn einst aus der Bahn warf. Für schauspielerische Glanzlichter sorgt in Season 2 auch Charlotte Rampling als schwer erkrankte Anwältin der Anklage.
Zwar harmonierten Hardy und Miller als Ermittlungsduo immer mehr, doch mit der dritten Staffel endete Broadchurch 2017. Im Zentrum steht eine brutale Vergewaltigung, die jedoch keine Einzeltat ist und wieder in erschreckend tiefe menschliche Abgründe blicken lässt. Season 3 erzählt erneut eine höchst spannende Story, ist zugleich aber auch eine flammende Anklage gegen sexuellen Missbrauch. Trotz der finsteren Geschichte gibt es für Hardy & Miller, aber auch für Familie Latimer, am Ende der Serie etwas Licht am wunderschönen Horizont von Broadchurch.
Die Blu-ray-Edition von Studiocanal enthält auf zwei Scheiben alle 8 Episoden der dritten Staffel, sowie dieses Bonusmaterial: Making of (18:50 min, wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln), „Der unverwechselbare Stil von Broadchurch“ (5:11 min), „Die Geschichte und Charaktere in Staffel 3“ (5:00 min); Deleted Scenes (9:56 min) und der deutsche Trailer (2:04 min)
Alan Alexander Milne wurde 1926 durch seinen kleinen Sohn Christopher Robin und seine Plüschtiere zu den Geschichten mit dem Bären Winnie-the-Pooh inspiriert. Bei uns ist dieser Teddy sowohl als Walt Disney-Figur Winnie Puuh als auch unter dem Namen Pu der Bär in Harry Rowohlts Übersetzungen der Bücher bekannt.
Innerhalb des Disney-Zeichentrick-Universums nehmen A. A. Milnes Figuren eine kleine Sonderstellung ein. Die Geschichten um Christopher Robin und seine lebendigen Plüschfreunde verkneifen sich im Gegensatz zu den längeren abendfüllenden Disney-Trickfilmen eine ausgeklügelte Spannungs-Dramaturgie und sind eher phantasievoll verträumt.
Der erste halbstündige Zeichentrickfilm entstand 1966 kurz vor dem Tode Walt Disneys, der daran noch persönlich mitgearbeitet hatte. Disney entschied sich dagegen, aus den Geschichten von Alan Alexander Milnes einen abendfüllenden Zeichentrickfilm zu machen. Die drei auf dieser DVD enthaltenen Filme Winnie the Pooh and the Honey Tree (1966), Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968) und Winnie the Pooh and Tigger Too (1974) wurden erst 1977 mit neuen verbindenden Sequenzen versehen und als zusammenhängender Film veröffentlicht.
Bonusmaterial der DVD: “Die Entstehung eines Meisterwerks“, eine sehr informative Dokumentation (25:03 min, mit eingesprochenen deutschem Kommentar); “Winnie Puh und I-Aah´s Geburtstag“ (“Winnie the Pooh and A Day for Eeyore“, 1983, 24:22 min); Galerie mit 66 sehr schönen Fotos und Entwürfen, die auch bewegt und kommentiert als Videogalerie betrachtet werden können (9:17 min); Wahlweise können Untertitel mit Hintergrundinfos während des Hauptfilms eingeblendet werden; Winnie Puuh-Titelsong gesungen von Carly Simon (2:35 min), sehr viel schöner ist die Version von der irischen Folklore-Kultband “The Chieftains“; Sing mit uns: “Heffalumps und Wusels“ (2:36 min); Interaktives Abenteuerbuch “Puuh´s Schatten“; Interaktives Spiel: “Die Herausforderung im Hundertmorgenwald“
In Großbritannien gibt es The Many Adventures of Winnie the Pooh auch auf Blu-ray in großartiger Bildqualität, allerdings ist keinerlei Bonusmaterial enthalten.
1980 gelang dem Regisseur Claude Pinoteau mit La Boum – Die Fete das Kunststück eine Komödie zu drehen, die sowohl Teenagern als auch deren Eltern gefiel. Die 13-jährige Sophie Marceau debütierte in diesem Film als Vic, die wohlbehütet in Paris aufwächst und ihre erste große Liebe erlebt.
Fast 30 Jahre später wechselte Sophie Marceau die Fronten und spielte in LOL – Laughing Out Loud eine alleinerziehende Mutter, die sich mit den Problemen ihrer pubertierenden Tochter auseinandersetzen muss.
Auch LOL, der Film erreichte in Frankreich fast 4 Millionen Kinobesucher, ist eine angenehm leichtfüßige Komödie. Die Probleme von Eltern und Heranwachsenden werden zwar ernst genommen, aber nicht als unlösbar dargestellt. Zudem wird recht amüsant gezeigt, wie junge Menschen nach allen Regeln der allerneusten Technik miteinander kommunizieren, sich aber trotzdem nicht immer verstehen.
Dies fiel auch in den USA auf und daher lag die Idee eines englischsprachigen Remakes recht nahe. Nicht nur der Titel des Originalfilms sondern auch fast das komplette Drehbuch, die Regisseurin Lisa Azuelos und sogar die schöne Superschnulze Little Sister wurden übernommen. Die Handlung spielt jetzt in Chicago und die Klassenreise geht diesmal nicht nach London sondern (thematisch passend) nach Paris.
Insgesamt gelang ein nahezu verlustfreies Remake, das mit Demi Moore in der Marceau-Rolle und auch in den Nebenrollen bestens besetzt ist. Die Tochter Lola alias LOL wird von Hannah Montana Miley Cyrus gespielt, die bereits in Mit dir an meiner Seite solide Kino-Präsenz zeigte. In den US-Kinos konnte der für elf Millionen Dollar recht preiswert produzierte Film nicht punkten und spielte nicht einmal seine Herstellungskosten ein. Das lag jedoch weniger an dessen Qualität, sondern daran, dass die eher auf Horror-Stoffe spezialisierte Produktions-Firma Lionsgate ihrem Film nicht so recht traute und diesen nur in wenigen Kinos zeigte. Dabei ist LOL – Laughing Out Loud eine sehr sympathische Komödie, die ideal geeignet ist für gemeinsame Kinobesuche von Müttern und Töchtern.
Das “Buch der Bücher“ ist für den Taschen Verlag natürlich eine Herausforderung, zumal es sich auch noch um das erste bedeutende gedruckte Buch handelt.
Auf der Basis einer sich in der Universitätsbibliothek Göttingen befindenden Bibel erschien bei Taschen anlässlich des 550. Todestags von Johannes Gutenberg ein kompletter Nachdruck. Die beiden gebundenen insgesamt 1.286-seitigen Bücher wurden im Originalformat von 23,5 x 33 cm veröffentlicht.
Ein Preis von 100 Euro erscheint für eine derart aufwändige Edition durchaus angemessen. Es sei jedoch darauf hingewiesen, dass der Text in den beiden Büchern komplett in lateinischer Sprache ist, denn erst 80 Jahre später sollte Martin Luther die Bibel ins Deutsche übersetzen.
Besonders aufwändig illustriert sind die Bücher auch nicht. Inmitten der zweispaltigen Textura-Wüste findet sich nur recht selten ein verschnörkelter Buchstabe oder gar eine handschriftliche Korrektur in Rot.
Doch zusätzlich zu den beiden gebundenen Faksimile-Ausgaben befindet sich in Taschens Pappkoffer noch eine großformatige reich bebilderte Broschüre, in der Buchwissenschaftler Stephan Füssel interessante Hintergrundinformationen zur Gutenberg-Bibel liefert.
Hier ist zu erfahren, dass Anno 1454 circa 180 Exemplare produziert wurden, die sofort ausverkauft waren. Gutenberg und sein Team benötigten für den Druck der ersten Auflage zwei Jahre, was ungefähr derselbe Zeitraum ist, den ein Mönch zum Abschreiben eines einzelnen Exemplars benötigt hätte.
Dieses Buch ist bereits der 28. Band der durch seine knallrote Titelbildgestaltung vielleicht nicht optimal, doch zumindest einheitlich aufgemachten Gesamtausgabe von Lucky Luke. Die 2003 gestartete Reihe sollte somit auf dem neusten Stand sein, doch dies ist leider nicht der Fall, denn zwei im (auf dem Cover zu lesenden) Zeitraum von 2016 bis 2018 erschienene Lucky-Luke-Comics fehlen in dieser Edition.
Hierbei handelt es sich um Alben, die nicht vom amtierenden Stammzeichner Achdé (Hervé Darmenton) zu Papier gebracht wurden. Sehr viel Aufmerksamkeit erregten um Umfeld des 70. Geburtstag von Lucky Luke zwei recht ungewöhnlich gestaltete Comics, über den einsamen Cowboy. Während Matthieu Bonhomme in einem recht realistischen Stil die zwar spannende, aber nur bedingt komische Geschichte Der Mann, der Lucky Luke erschosszeichnete und erzählte, setzte Guillaume Bouzard in Jolly Jumper antwortet nicht auf einen reduzierten Stil und respektlose Flapsigkeit.
Der Band der Gesamtausgabe enthält stattdessen mit Martha Pfahlund Mitten ins Schwarze zwei von Achdé gestaltete Kurzgeschichten-Sammlungen um die nicht unumstrittene Jugendversion Lucky Kid, die im französischen Original Kid Lucky heißt und seit Mitte der 90er Jahre bereits in sechs Alben auftrat.
Sehr viel gelungener, ja fast schon so gut wie die Geschichten aus der Hochphase von Morris & Goscinny, ist das ebenfalls in dieser Gesamtausgabe enthaltene Abenteuer Das gelobte Land. Lucky Luke hilft hier einer aus Osteuropa kommenden jüdischen Familie von St. Louis nach Montana zu gelangen. In den informativen Texten, die Horst Berner zur Gesamtausgabe beisteuerte, ist zu erfahren, dass Szenaristen Julien Berjeaut alias Jul, der Autor von Das gelobte Land bereits Ideen zu vier bis fünf weiteren Abenteuern mit Lucky Luke hat. Um die Zukunft der Serie muss sich somit nicht gesorgt werden.
Garth Ennis, der den Punisher einst das komplette Marvel-Universum liquidieren ließ, hat sich mit The Boys eine tolle Spielwiese geschaffen auf der er, gemeinsam mit dem Zeichner Darick Robertson, ungeniert seine Hassliebe zu Superhelden und sein Faible für Provokationen aller Art ausleben kann. Mit diesem Band setzt Panini seine Hardcover-Gesamtausgabe im leichten Überformat (19 x 29 cm) von The Boys fort. Da der zweite Band dieser Gnadenlos-Edition 16 Hefte der Serie enthält, ist diese Veröffentlichung sogar noch günstiger als die teilweise schon vergriffene Softcover-Ausgabe.
Unaufhaltsam und ohne Rücksicht auf Verluste machen “Boss“ Billy Butcher, Mother´s Milk, der Frenchman, das Weibchen und Neuzugang Wee Hughie den Superhelden das Leben schwer. Nachdem die Frau von Billie und die Freundin von Wee durch kostümierte Irre starben, wachen The Boys darüber, dass es die Übermenschen in Unterwäsche nicht übertreiben.
Variant-Cover von Garry Leach
Im Zentrum der Storyline Streicheleinheiten steht Blarney Cock, jenes Mitglied der Superhelden-Nachwuchs-Truppe Teenage Kix, das Wee zuvor versehentlich umgebracht hat, steht wieder von den Toten auf. Blarney ist allerdings völlig matschig im Hirn und will unbedingt seinen Hamster wiederhaben, der sich jetzt im Besitz von Wee befindet. In Stunde der Wahrheit erzählt The Legend, ein Comic-Schöpfer der etwas an Stan Lee erinnert, wie sich die Waffenfirma Vought nach einigen vermurksten Rüstungsaufträgen, die unzählige Todesfälle verursachten, darauf spezialisiert hat Superhelden zu produzieren. Auch hier ist mit einigen Totalausfällen zu rechnen…
Variant-Cover von Dave Gibbons
Zum Abschluss dieses Bands geht es um ein Schmutziges Geheimnis. Erzählt wird, wie ein Gründungsmitglied der legendären G-Men spektakulär Selbstmord beging und es danach den zahlreichen Superhelden-Gruppen, die ein G im Namen tragen, an den Kragen geht. Doch diesmal sind es nicht nur Billy Butcher und seine Boys sowie das Weibchen, die gegen allzu selbstgerechte Kostümträger vorgehen. Auch der Multikonzern Vought mischt eifrig mit und greift dabei zu noch drastischeren Methoden als die Boys…
Variant-Cover von Carlos Ezquerra
Kaum verschlüsselt veralbert Ennis hier äußerst treffsicher X-Men, X-Force und was es so noch an X-beliebigen Superhelden-Teams gibt. So hat z. B. Critter, das G-Men-Äquivalent zu Wolverine, anscheinend Flöhe und trägt daher einen dieser hohen Wauwau-Kegelkragen.
Variant-Cover von John Cassaday
Ähnlich wie schon in Ennis‘ Meisterwerk Preachersind es auch bei The Boys nicht nur die ruppigen und satirischen Elemente, die faszinieren. Auch diese Serie lässt sich immer wieder Zeit für ruhige zwischenmenschliche Passagen und erzählt von Wees Freundschaft zu Billy und seiner aufkeimenden Liebe zu Annie January. Hier ahnt der gute Wee allerdings nicht, dass diese ein Mitglied des Superhelden-Teams The Seven ist…
Variant-Cover von David Lloyd
Einmal mehr vermischt Ennis äußerst mitreißend bissige (gelegentlich aber auch leicht sentimentale und oftmals dezent antiamerikanische) Dialoge mit drastischen Gewaltszenen, die aber immer im Dienste der guten Sache bzw. Story stehen. Gleichzeitig enthüllt er immer mehr Details über die dreckigen Machenschaften hinter den eher gemeingefährlichen als hilfreichen Superhelden.
Variant-Cover von Jim Lee
Abgerundet wird dieser Band der Gnadenlos-Edition durch den Abdruck von Variant-Titelbilder, die prominente Comic-Künstler wie John Cassaday, Howard Chaykin, Carlos Ezquerra, Garry Leach, Steve Dillon, Dave Gibbons, David Lloyd und Jim Lee zur Serie beigesteuert haben.
Auf Amazon Prime ist mittlerweile die erste aus acht Episoden bestehenden Staffel einer erstaunlich gut gelungenen Serien-Adaption von The Boys zu sehen. Scheinbar direkt aus dem Comic entsprungen zu sein, scheint der Neuseeländer Karl Urban (Dredd, Star Trek). Dieser sondert als Billy Butcher herrlich derbe Flüche ab, legt großartige Wutausbrüche hin und lässt auch immer wieder einen seelisch schwer verletzten Menschen durchschimmern.
Eine Galavorstellung gibt auch Anthony Starr als Ober-Superheld Homelander. Sein arrogantes Lächeln wirkt erschreckend echt und fast so bedrohlich, wie die Abgründe die dahinter lauern. Auch die restliche Besetzung – allen voran Elisabeth Shue als eiskalte Konzernchefin von Vought International – wurde recht passend ausgewählt und erstaunlich viele Grundideen des Comics flossen in die Geschichte ein.
2020 startete Garth Ennis mit Dear Becky eine achtteilige Miniserie, die Prequel aber auch Sequel von The Boys ist, und von Russ Braun großartig in Szene gesetzt wurde.
Bereits 2000 kam es mit der vierteiligen Miniserie Superman / Bugs Bunny zu einem Crossover zwischen den DC-Superhelden und den Charakteren aus den Looney-Tunes-Trickfilmen. Damals schrieb Mark Evanier (Groo the Wanderer) eine ziemlich witzige durchgehende Geschichte, die im konventionellen, doch recht gut zu den Animations-Figuren passenden, Retro-Stil gezeichnet wurde.
Nachdem Ende 2015 bei DC fünfundzwanzig Variant-Cover für reguläre Superhelden-Hefte produziert wurden, auf denen Catwoman auf Tweety traf oder Flash mit Speedy Gonzales und dem Road Runner um die Wette lief, folgte zwei Jahre später eine Reihe mit Cross-Over-Geschichten. Das absolute Highlight ist dabei ganz gewiss die Begegnung zwischen Batman und Elmer Fudd, dem lispelnden Erzfeind von Bugs Bunny und Daffy Duck.
Die vom hochgelobten Autor Tom King (The Vision, Sheriff of Babylon) geschriebene Geschichte Pray for me (Bete für mich) wäre nur die halbe Miete, wenn der erfahrene Daredevil-Zeichner Lee Weeks sie nicht souverän als Film noir in Szene gesetzt hatte. Die Story erzählt wie Batman versucht zu verhindern, dass Elmer Fudd, der sich mal wieder auf Hasenjagd befindet, Bugs Bunny erledigt. Einer der Clous der Story ist, dass Bugs durch einen Menschen verkörpert wird, dessen Aussehen etwas an dessen Sprecher Mel Blanc erinnert.
Pray for me ist optisch und inhaltlich das absolute Highlight dieses Sammelbands, der noch fünf weitere Crossover zwischen Superhelden und Trickfilm-Figuren enthält. Hübsch anzusehen sind alle diese Geschichten und auch die Paarungen wurden originell ausgewählt. So trifft Wonder Women auf den Tasmanischen Teufel, die Legion of Superheroes muss sich mit Bugs Bunny auseinandersetzten, während mit Jonah Hex und Yosemite Sam zwei hart gesottene Burschen aufeinandertreffen. Fast schon ein Zungenbrecher ist der Titel des außerirdischen Begegnungs-Hefts Martian Manhunter / Marvin the Martian.
Potential gehabt hätte auch die Sache mit Lobo und dem Road Runner zumal mit dem neuen MAD-Chefredakteur Bill Morrison (The Simpsons) ein versierter Autor am Werke war. Doch die Geschichte plätschert eher dahin, doch es bleibt immerhin die Freude am Betrachten der herrlich morbiden Bilder von Batman-Ikone Kelley Jones. Es ist schade, dass das Niveau der meisten Geschichten und auch der jeweiligen im Animations-Look gestalteten Zweit-Storys nicht beim teilweise wirklich spektakulären Comic-Artwork mithalten kann.
Jetzt folgen unter dem Motto “Der Irrsinn geht weiter“ neue Crossovers. Doch der zweite Band ist mit nur vier anstatt sechs Begegnungen etwas dünner ausgefallen. Auch diesmal sind die Ideen zumeist origineller als die Ausführung. Dies bezieht sich jedoch eher auf die zumeist etwas arg bemühten Storys als auf die auch diesmal sehr gelungenen Bilder, die sich wieder daran versuchen „realistische“ Versionen der Looney Tunes zu Papier zu bringen.
Die am prominentesten besetzte Begegnung kam auf das Cover des Panini-Sammelbandes und zeigt Daffy Duck gemeinsam mit dem Joker in der Klapsmühle. Catwoman trifft in einer weiteren Geschichte auf den Kater Sylvester, hier kommt es zugleich auch noch zu einer Begegnung zwischen dem Vögelchen Tweety und Black Canary. In Lex Luthor/Porky Pig kommt es zum Gipfeltreffen der Glatzenträger.
In der wohl schönsten Geschichte des Bands trifft Harley Quinn auf ein weniger bekanntes Mitglied der Looney Tunes. Das haarige rote Monster Gossamer hatte eine Vorliebe für weiße Turnschuhe und strahlte bei aller Bedrohlichkeit auch eine gewisse Unschuld aus. Auch diesmal gibt es wieder Zweitstories, die im Animated-Look gehalten sind und den Band gut abrunden.
