# 9

In viereinhalbjähriger Arbeit realisierte der kalifornische Filmstudent Shane Acker den 10-minütigen Animationsfilm “9“. Zuerst wollte er Stop-Motion-Technik verwenden, doch dann arbeitete er sich in die Computer-Animation ein. Der Film spielt vor dem Hintergrund einer apokalyptischen Welt und erzählt von den abenteuerlichen Erlebnissen einer aus Sackleinen zusammengenähten Stoffpuppe.

# 9

9 wurde 2005 für den Kurzfilm-Oscar nominiert, was Tim Burton auf den Film aufmerksam machte. Dieser sprang als Produzent für einen abendfüllenden 9-Kinofilm ein und ließ Shane Acker zusammen mit Pamela Pettler, der Drehbuchautorin  von Butons Corpse Bride, ein komplette Universum entwickeln, das Erklärungen lieferte für die im Kurzfilm als geheimnisvoll belassenen Zustände. Jetzt erlebt das 9-Stoffmännchen seine Abenteuer vor dem Hintergrund einer durch Amok laufende Maschinen komplett entvölkerten Welt.

# 9

Wer mag kann sich darüber aufregen, dass dem im Original ohne Dialoge auskommenden Film auch durch den Einsatz von Hollywood-Stars wie Elijah Wood oder Jennifer Connelly als Sprecher jeglicher Charme ausgetrieben wurde. Doch obwohl einige aus Fantasy-Filmen bekannten Klischees zum Einsatz kamen, ist der 80-minütige 9 dennoch – gerade für einen Trickfilm – ungewöhnlich düster geraten. Dies schlug sich wohl auch darin nieder, dass er in unseren Kinos kaum gezeigt wurde, obwohl der Film den Zuschauer in eine faszinierende Welt eintauchen lässt.

# 9

Extras der Blu-ray: Audiokommentar von Autor/Regisseur Shane Acker, Animationsregisseur Joe Ksander, Head of Story Ryan O’Loughlin und Cutter Nick Kenway , wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln; Making of (16:28 min), Auf Tour mit Shane Acker (5:36 min), Der Look von „#9“ (13:12 min), Auftritt des CGI-Animation-Teams (:54 min), Der Kurzfilm „# 9“ von 2005 (10:33 min), wahlweise mit Audiokommentar vom Regisseur, U-Control: Bild-im-Bild mit interaktiven Zusatzinformationen während der Film läuft, Unveröffentlichte Szenen (7:24 min)

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Vox Lux

Bei verfilmten Biografien über Größen aus der Musikbranche ist es alllgemein üblich recht hastig durch die Jugendjahre zu hecheln, damit möglichst früh der Filmstar, der den Musikstar spielt, zum Einsatz kommen kann. Nicht so bei Brady Corbets Film über das Pop-Phänomen Celeste. Hier kommt in der kompletten ersten Hälfte des Film erst einmal Raffey Cassidy zum Einsatz, die die junge Celeste Montgomery spielt.

Vox Lux

Das Leben des 13-jährigen Mädchens änderte sich drastisch, als sie 1999 in ihrer Schule zum Opfer eines Amoklaufs wurde. Schwer verletzt und traumatisiert überlebt Celeste. Nachdem sie zusammen mit ihrer Schwester Ellie auf dem Gedenkgottesdienst für die Opfer des Anschlags ein selbst geschriebenes Lied vorträgt, wird der Song prompt zum Hit und Celeste zum Weltstar.

Vox Lux

Erst jetzt – nachdem der Film bereits 50 Minuten läuft – tritt Natalie Portman als 30-jährige Celeste in Erscheinung, während Raffey Cassidy in die Rolle von deren Tochter Albertine schlüpft. Wieder ist es ein Terroranschlag, der mit dem Leben des Popstars kollidiert. 2017 haben Terroristen an einem Strand in Kroatien einen Mordanschlag auf Badegäste verübt. Dabei trugen sie ähnliche Masken wie Celeste in ihren Videos und bei ihren Bühnenauftritten. Wird die Sängerin, die auch noch massive Probleme mit Ellie, Albertine und  der Premiere ihrer Show hat, mit dieser Belastung fertig?

Vox Lux

Wer sich gänzlich unvorbereitet auf Brady Corbets Vox Lux einlässt, könnte glauben, dass Celeste wirklich existiert. Die dramatische Handlung versetzt Corbet immer wieder mit den Stilmitteln der Mockumentary und läßt  die gefakte Biografie von Willem Dafoe leicht sarkastisch kommentieren. Auch so manche mit subjektiver Kamera in langen Einstellungen gefilmte Szene trägt zur Illusion von Realismus bei, genau wie die von der Australierin Sia komponierten vertraut anmutenden Songs.

Vox Lux

Bemerkenswert ist auch die Leistung von Natalie Portman, die in der zweiten Hälfte des Films sehr stark von Raffey Cassidys Vorarbeit profitiert. Uneitel spielt Portman eine talentierte, aber auch sehr nervige Entertainerin, die es gerade so eben schafft kurz vor Beginn der Show auf die Bühne zu kriechen. Doch dort singt und tanzt Portman so voller Power, dass sie Celeste mit all ihren guten und schlechten Seiten zum Leben erweckt. Portmans vielschichtige Darstellung läßt es unwahrscheinlich erscheinen, dass Celeste, wenn es sie geben würde, einen so „ehrlichen“ Film über ihr Leben zulassen würde.

Vox Lux

Die Blu-ray von Koch Media enthält neben dem 115-minütigen Film noch wahlweise Interview mit Natalie Portman (3:51 min) und Regisseur Brady Corbet (14:32 min), sowie eine Bildergalerie (1:43 min).

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Der Solist

Der Solist ist das Material aus dem eigentlich Oscar-Filme sind. Zwei US-Stars spielen demonstrativ uneitel Charaktere voller Defekte, ein Brite mit Erfahrung in Sachen Literatur-Verfilmung führt Regie, die Geschichte schrieb das Leben und die Realität wurde so sorgfältig wie möglich nachgestellt. Doch durch widrige Umstände kam Der Solist erst im April 2019, also nach der Oscar-Verleihung, in die Kinos und erscheint erst jetzt mit 10-jähriger Verspätung auf Blu-ray.

Der Solist

Eine Sichtung lohnt sich. Unter der Regie von Joe Wright (Abbitte) und im Umfeld von tatsächlich in der Obdachlosigkeit lebenden Statisten spielt Jamie Foxx den auf den Straßen von Los Angeles hausenden Nathaniel Ayers. Ohne auf seine Umwelt und den Straßen-Lärm zu achten, spielt er auf einer Violine mit nur zwei Saiten erstaunlich virtuos klassische Musik.

Der Solist

Dies fällt dem Journalisten Steve Lopez (Robert Downey Jr.) auf, der Artikel und ein Buch über den schizophrenen Musiker schreibt. Zugleich versucht er den ehemaligen Schüler einer renommierten Musikschüler zurück in sein altes Leben zu führen. Natürlich spielt jemand wie Downey Jr.  nicht die zweite Geige, sondern ebenfalls einen Menschen voller Defekte. Gemeinsam mit Foxx gelang ihm ein packendes Sozial-Drama.

Der Solist

Die Blu-ray von justbridge entertainment steckt in einem schönen Pappschuber und enthält neben dem 117-minütigen Hauptfilm, wahlweise mit Audiokommentar vom Regisseur Joe Wright (wie alle Extras wahlweise mit deutschen Untertiteln), noch diese Extras: “Eine ungewöhnliche Freundschaft“ Making-Of “Der Solist‘ (19:38 min), unveröffentlichte Szenen (10:40 min) und ein Bericht über “The Juilliard School“ (4:09 min). Außerdem liegt ein 28-seitiges Booklet mit Texten von Christoph N. Kellerbach.

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Peter Lindbergh: Untold Stories

Der 1944 im polnischen Lissa geborene Peter Lindberg war einer der bekanntesten Fotografen. Auf seinen in Vogue, Vanity Fair oder The New Yorker veröffentlichten Bildern tummelten sich Stars. Ihm gelangen es Topmodels wie Linda Evangelista, Naomi Campbell und Cindy Crawford gemeinsam zu fotografieren, wodurch er deren Popularität noch befeuerte. Doch seine Bilder waren keine glamourösen, gestochen scharf aufgenommene Hochglanz-Produkte, sondern er bevorzugte Schwarzweiß und einen rauen, körnigen Look.

Peter Lindbergh: Untold Stories

Die Eröffnung der ersten von ihm selbst kuratierten Ausstellung im Kunstpalast Düsseldorf erlebte der im September 2019 verstorbene Lindberg noch selber. Untold Stories, der Titel dieser Werkschau, unterstreicht, dass es dem Fotografen nicht darum ging schöne Menschen in ebensolchen Klamotten zu zeigen, sondern vielmehr um fast schon intime Momentaufnahmen, die etwas erzählen und zu eigenen Interpretationen einladen.

Peter Lindbergh: Untold Stories

Der Katalog zur Ausstellung ist beim Taschen Verlag im angemessenen Großformat von 27 x 36 cm erschienen. Auch hier war Lindbergh direkt beteiligt: “Das vom Fotografen ausgewählte Naturpapier – ein spezielles, dünnes Blatt mit weicher, offener Oberfläche – ist ein bewusstes ästhetisches Statement Lindberghs für die Wiedergabe seiner Fotos“.

Peter Lindbergh: Untold Stories

Zum Abdruck kommen Bilder von erstaunlich menschlich wirkenden Promis wie Nicole Kidman, Uma Thurman, Robin Wright, Jessica Chastain oder Jeanne Moreau. Neben einem Gespräch mit Lindbergh enthält das Buch noch eine Art ungereimtes Gedicht vom Filmemacher Wim Wenders, der den Fotografen feiert, weil dieser “die Gegenwart beschworen und geformt hat“.

40 Jahre Taschen

Unter dem Motto, halb so groß und halb so teuer ist zum 40. Geburtstag von Taschen eine Neuauflage des Buchs Peter Lindbergh: On Fashion zum Preis von 20 Euro erschienen. Dank eines neuen Layouts kommen die Abbildungen trotz des kleineren Formats von 16 x 22 cm sehr gut zur Geltung.

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Blade

Seinen ersten Auftritt hatte der von Marv Wolfman und Gene Colan geschaffene Blade 1973 als Nebenfigur der Marvel-Comicserie Tomb of Dracula. Die tragische Entstehungsgeschichte der Figur: Blades Mutter wird kurz vor seiner Geburt von einem blutsaugenden Arzt getötet und daher widmet Blade sein Leben dem Kampf gegen den Vampirismus.

Blade

Nachdem er etwas später von Graf Dracula angeknabbert wurde, stellt Blade fest, dass er immun gegen Vampirbisse ist. Die Figur, die damals eine ziemlich große, gelbe Sonnenbrille und eine Afrofrisur trug, war so erfolgreich, dass sie schon recht bald auch einmal an der Seite von Spider-Man kämpfen durfte.

Blade

Seit Anfang der achtziger Jahre versuchte Marvel in Zusammenarbeit mit Roger Cormans New Line Pictures einen Low-Budget-Film aus Blade zu machen. Anfang der neunziger Jahre war eine TV-Serie im Gespräch und seit 1994 wird am Drehbuch zum Blade-Film gebastelt. Für die Titelrolle kamen u. a. Ice-T und Laurence Fisburne in Fragen, aber als das Budget 1998 auf 30 Millionen Dollar anwuchs, kam nur noch ein Darsteller in Frage: Wesley Snipes, der zuvor schon für ein Film-Projekt mit Marvels Black Panther im Gespräch war.

Blade

Der Film beginnt im Jahre 1967. Eine lebensgefährlich an der Halsschlagader verletzte Frau wird in ein Krankenhaus eingeliefert und bringt kurz vor ihrem Tode noch einen Sohn zur Welt. Dieser ist nun sowohl mit übermenschlichen Kräften als auch mit der Gier nach Blut ausgestattet. Tageslicht ist nicht das große Problem für ihn und so eine Sonnenbrille kann doch auch ganz schön cool aussehen, siehe Men in Black.

Blade

Nach dem kurzen Epilog geht es dann zurück in die Gegenwart und der nun herangewachsene Blade muss erst einmal eine von Vampiren betriebene Disco auseinandernehmen, denn in diese werden unfreiwillige Blutspender gelockt. Hierbei geht es ganz schön zur Sache, die Untoten zerplatzen was die Spezialeffekte hergeben. Kurz bevor Blades Aufräumarbeiten beendet sind, tauchen die Ordnungskräfte auf und die Knallköpfe vom Police Department bringen eine der verkohlten Leiche natürlich direkt in die Gerichtsmedizin.

Blade

So ziemlich jeder, der an Filmen dieser Art interessiert ist, weißt was nun folgt: Der Untote wird natürlich wieder lebendig, killt einen bekittelten Nebendarsteller und macht sich über die knackige Pathologin Karen (N´Bushe Wright, ein Name, den man sich merken müßte, aber nicht kann) her. Doch schon taucht Blade wieder auf und rettet die zum Glück nur leicht angeknabberte Medizinerin.

Blade

Er bringt sie zu seinem väterlichen Rocker-Freund, der, da dies ja eine prima Rolle für einen abgetakelten Country-Sänger ist, von Kris Kristofferson gespielt wird und anscheinend ausschließlich in einer Garage wohnt. Dieser sogenannte „Whistler“ betreut nicht nur Blades Fuhr- und Waffenpark, sondern versorgt ihn auch noch mit den immer größer werdenden Dosierungen eines Blutserums, das jetzt auch von Karen dringend benötigt wird.

Blade

Doch auch die Gegenseite ist nicht faul: Die führenden Vampirfürsten sind besorgt über das Massaker in der Disco, die dem aufstrebenden Nachwuchsfürsten Deacon Frost (Stephen Dorff) gehört. Frost hingegen hält rein gar nichts vom Oberfürsten Dragonetti (Udo Kier, unser Mann in Hollywood), der ganz diplomatisch möchte, daß die Vampire möglichst unauffällig herumwandeln um nicht in Konflikt mit den Lebenden zu kommen. Frost will nun sehr viel lieber den Blutgott La Miagra wieder auf die Erde holen. Nachdem Dragonetti von Frost nicht nur beide Beißer gezogen bekommt, sondern auch noch im Sonnenaufgang explodierte, steht einer Suche nach dem Buch von Erebus, in dem etwas über ein Miagra-Ritual zu erfahren ist, nichts außer Blade mehr im Wege.

Blade
Tja, soviel Story passt natürlich nicht in 90 Minuten und daher bringt es der Film auf eine fast zweistündige Laufzeit, wobei sich Blade in Sachen Härte durchaus mit From Dusk Till Dawn messen kann. Auch ansonsten macht das Ding verdammt viel Spaß, was natürlich Folgen hatte.

Blade II

Auch in der drei Jahre später entstandenen Fortsetzung zeigte Wesley Snipes wieder vollen Körpereinsatz und ließ sich nur recht selten doubeln. Leider wurde Blade II nicht mehr von Stephen Norrington inszeniert, der den ersten Film optisch sehr ansprechend und rasant in Szene gesetzt. Statt einer Fortsetzung zu Blade übernahm er jedoch die Regie bei einer Comic-Verfilmung von Alan Moores Die Liga der außergewöhnlichen Gentlemen.

Blade II

Der Mexikaner Guillermo del Toro (Shape of Water) hingegen fiel seinerzeit durch seine seltsamen Horrorfilme Cronos und Mimic auf. Durch Blade II sollter er für seine Hellboy-Filme qualifizieren. Das Drehbuch schrieb wieder David S. Goyer, mit seiner wirklich interessanten Geschichte, das Genre zwar nicht neu erfand, aber auch den zweiten Film deutlich über durchschnittliches Blockbuster-Niveau hob.

Blade II
Diesmal muss sich der Daywalker Blade mit seinen vampirischen Gegnern gegen eine noch gefährlichere Rasse verbünden. Diese sogenannten Reaper machen nicht nur Jagd auf Menschen, sondern werden sogar den Blutsaugern gefährlich. Daher macht Blade gemeinsame Sache mit einer vampirischen Eliteeinheit, dem sogenannten „Bloodpack“, zu der auch das hübsche Töchterlein Nyssa (Leonor Varela) des Obervampirs gehört. Zunächst muss sich Blade den Respekt dieser Truppe verdienen und auch während der Kämpfe gegen die Reaper ist er sich niemals sicher, ob er den Vampiren wirklich trauen kann.

Blade II
Dies bietet natürlich genügend Anlass für abgefahrene Charaktere (mit an Bord ist neben Thomas Kretschmann auch der spätere Hellboy Ron Perlman) und ausgiebige Action. Etwas seltsam mutet an, dass der von Kris Kristofferson gespielte Whistler wieder dabei ist.

Blade II

Doch wer genau aufgepasst hat, bemerkte dass Whistlers Tod im ersten Teil nicht direkt im Bild zu sehen war. Jetzt erfahren, wir dass er seitdem von Vampiren in einem Tank voller Blut als Haustier gehalten wurde. Doch abgesehen von dieser etwas idiotischen Idee bietet auch der zweite Blade-Film wieder beste und garantiert nicht blutarme Unterhaltung.

Blade Trinity

Der dritte Teil folgte 2004 und bekam den schönen Titel Blade Trinity. Der Daywalker entlarvt diesmal nicht nur ein perverses Regierungsprojekt, das die Blutsauger ruhigstellen und mit Blut versorgen soll, sondern er hat auch noch den Ur-Vampir Dracula (Dominic Purcell) zum ultimativen Gegner. Verstärkung findet er in einer unbekümmerten Horde von High-Tech-Vampirjägern. In einem Penthouse über den Dächern von New York kommt es schließlich zum blutigen Showdown…

Blade Trinity

Diesmal muss sich der eher grimmige Einzelkämpfer Blade als Teamplayer mit einigen jugendlichen Vampirjägern umgeben, die direkt aus der TV-Serie Buffy stammen könnten. Nach dem durchaus innovativen Stephen Norrington und dem routinierten Guillermo del Toro gibt diesmal David S. Goyer, der Drehbuch-Autor der ersten beiden Blade-Filme (und von Batman Begins), hier sein Regie-Debüt.

Blade Trinity

Er setzt seine (im Gegensatz zu den ersten beiden Teilen) nicht sonderlich raffiniert erzählte Geschichte in rasant geschnittene Bilder um und unterlegt diese einmal mehr mit greller Rockmusik. Das diesmal nicht in Prag sondern in Vancouver gedrehte Resultat bietet zwar überhaupt nichts Neues – außer vielleicht etwas mehr und teilweise wirklich zündenden Humor, für den hauptsächlich Ryan Reynolds (Deadpool) zuständig ist, kann sich aber in seiner insgesamt sehr unpathetischen Direktheit sehen lassen.

Blade

Nicht unerwähnt bleiben soll auch noch die kurzlebige aber recht unterhaltsame TV-Serie Blade mit Sticky Fingaz in der Titelrolle, die ebenfalls von David S. Goyer entwickelt wurde und es 2006 nur auf 12 Episoden brachte.

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Underworld

Wer hätte das gedacht? Während wir unseren täglichen Geschäften nachgehen tobt im Verborgenen und im Untergrund schon seit Hunderten von Jahren ein Krieg zwischen Vampiren und Werwölfen, die  auch Lykaner genannt werden. Im Zentrum des Konfliktes steht die Blutsaugerin Selene, die als Elite-Soldatin einen jungen Mediziner gegen die Werwölfe verteidigt und dabei einigen düsteren Geheimnissen auf die Spur kommt.

Underworld

Der Look von Underworld erinnert an The Crow und tatsächlich sollte Len Wiseman zunächst tatsächlich die dritte Fortsetzung von Alex Proyas Comic-Verfilmung inszenieren. Doch dem Videoclip-Regisseur schwebte für sein Kinodebüt eine eigene Geschichte vor, die zur völligen Überraschung aller Beteiligten auch noch auf das Interesse der britischen Darstellerin Kate Beckinsale (Pearl Harbor) stieß.

Underworld

Das 2003 für ein überraschend geringes Budget von etwas über 20 Millionen Dollar produzierte Resultat kann sich in der Tat sehen lassen. Zwar ist die Story für eine Laufzeit von über 2 Stunden etwas dünn und an herumballernden Lack- und Lederfetischisten herrschte in letzter Zeit im Kino wahrlich kein Mangel. Doch Spaß macht diese actionreiche Mischung aus Blade und Matrix schon und da verwunderte es nicht weiter, dass zwei Jahre später Underworld: Evolution folgte.

Underworld

Der zweite Teil erzählt wie es weitergeht mit der Vampirin Selene und dem Werwolf-Vampir-Mischling Michael, die trotz der schon Jahrhunderte andauernden Fehde ihrer beiden Arten mehr als Sympathie füreinander empfinden. Bemerkenswert ist, dass die in Osteuropa angesiedelte Geschichte diesmal nicht (wie der erste Teil) in Budapest, sondern rund um Vancouver verfilmt wurde.

Underworld

Das Resultat steht voll in der Tradition des ersten Teils. Die Bilder sind also wieder recht kalt und blaustichig, Kate Beckinsale ist sehr eng in Lack und Leder eingeschnürt (aber trotzdem höchst beweglich) und beständig ist die nächste Explosion zu erwarten.

Underworld

So richtig spannend ist das alles zwar nicht mit diesen sehr komplizierten verwandtschaftlichen Beziehungen, die zum Werwolf-Vampir-Konflikt führten, aber einen gewissen Unterhaltungswert hat es schon.

Underworld

Bereits der Prolog von Underworld Evolution erzählte vom vor Hunderten von Jahren ausgebrochenen Konflikt zwischen  Vampiren und  Lykaner. Die zweite Fortsetzung der angeblich ohnehin als Trilogie geplanten Reihe ist zugleich auch Prequel und spielt komplett in der mittelalterlichen Vergangenheit.

Underworld

Nachdem Len Wiseman erfolgreich Stirb langsam 4.0 inszenierte, überließ er die Regie bei Underworld – Aufstand der Lykaner dem Production-Designer Patrick Tatopoulos, war aber als Produzent und Autor weiterhin beteiligt. Auch Wisemans so überaus elegant in Lack und Leder kämpfende Gattin Kate Beckinsale war (abgesehen von einem die Geschichte sehr schön abrundenden Gastauftritt) nicht mehr beteiligt. Rhona Mitra (Doomsday, Boston Legal) übernahm die weibliche Hauptrolle. Rein optisch ist das nicht unbedingt ein Rückschritt, auch wenn es im Mittelalter zwar bereits Leder aber leider noch keinen Lack gab.

Underworld

Rhona Mitras Rolle fiel jedoch deutlich konventioneller aus als Kate Beckinsales Part. Sie spielt Sonja, die Tochter vom Obervampir Viktor (wieder sehr beeindruckend: Bill Nighy), und muss immer wieder vom Lykaner Lucian gerettet werden. In dieser Rolle, die er auch schon in den beiden ersten Underworld-Filmen spielte überrascht einmal mehr der Brite Michael Sheen.

Underworld

Kaum zu glauben, dass der Darsteller dieses beängstigend wilden und leidenschaftlichen Werwolfs auch Tony Blair in Die Queen und David Frost in Frost/Nixon verkörperte. Insgesamt macht die gradlinig vorangetriebene Geschichte von Underworld – Aufstand der Lykaner deutlich mehr Spaß als der eher wirre Underworld Evolution.

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Buffy

Bereits ein Jahr nachdem 1997 die von Joss Wheadon (Avengers) kreierte Serie startete, gab es Comics mit der Vampirjägerin und ihren Mitstreitern. In den USA erschienen diese bei Dark Horse und zeitnah wurden bei uns einige davon bis 2001 als Hefte beim Carlsen Verlag veröffentlicht. Es handelte hier nicht um Comic-Adaption der TV-Episoden, sondern die neuen Stories entstanden in Absprache mit den Schöpfern der Serie.

Buffy

2003 wurde Buffy nach 7 Staffeln mit 144 Episoden beendet, doch im Comic ging es weiter. Nach Story-Entwürfen von Joss Wheadon wurden bei Dark Horse weitere Seasons in Comic-Form erzählt. Dies endete 2018 mit einer recht kurzen nur aus 4 Heften bestehenden 12. Staffel. Alle diese Comics erschienen in Deutschland bei Panini in Form von Paperback-Sammelbänden.

Buffy

Dies ist auch beim Buffy-Neustart der Fall, der in den USA bei den Boom! Studios erscheint. Während beim geplanten TV-Relaunch die Rolle der Buffy von einer neuen jüngeren Darstellerin gespielt werden soll, handelt es sich in den Boom!-Comics bei der Vampirjägerin ohne Zweifel um Sarah Michelle Gellar. Auch ihre Freunde Willow und Xander scheinen den zugehörigen Darstellern Alyson Hannigan und Nicholas Brendon wie aus dem Gesicht geschnitten zu sein.

Buffy

Die sehr lebendig wirkende Grafik des Neustarts von Dan Mora kann wirklich überzeugen, während die Geschichte von der bisher hauptsächlich als Koloristin aufgefallenen Jordie Bellaire noch ausbaufähig ist. Zwar setzt die “Scooby Gang“ jetzt moderne Technik ein, doch ansonsten kann die nicht nur gestraffte sondern auch geänderte Schilderung von Buffy ersten Wochen in Sunnydale noch nicht so recht überzeugen.

Buffy

Während Buffy im Clinch mit dem Freund ihrer Mutter liegt, taucht der Vampir Spike diesmal vor seinem Kollegen Angel auf. Willow hingegen lebt von Anfang an in einer offen lesbischen Beziehung, während die TV-Serie sehr einfühlsam in vielen Episoden von ihrem Coming Out erzählt. Im Gegensatz zur TV-Serie zeigt sich der Comic weniger an den Charakteren und stärker an Horror-Action interessiert.

Buffy

Doch das kann ja noch besser werden, denn der erste Panini-Sammelband Schule ist die Hölle enthält lediglich den Inhalt von vier US-Comicheften. Damit der Umfang dennoch stimmt, gibt es als Zugabe noch knapp 30 Seiten mit diversen teilweise sehr schönen Variant-Covern, die sich oft auf beliebte Episoden beziehen und den Fans der Serie viel Freude bereiten dürften.

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Das Kino von Tim Burton

Unter dem Motto “Mondbeglänzte Zaubernächte“ hat sich Christian Heger bereits 2010 umfassend auf über 400 Seiten mit Tim Burton auseinandergesetzt. Grundlage des Textes war seine “Dissertation zur Erlangung des akademischen Grades des Doktors der Philosophie“. Anschließend schrieb Heger unter dem Motto “Die rechte und die linke Hand der Parodie“ eine „kulturwissenschaftliche Monographie“ über Terence Hill und Bud Spencer.

Das Kino von Tim Burton

Nachdem dieses Buch vergriffen war, schob Heger eine überarbeitete 2. Auflage hinterher. Da Tim Burton im letzten Jahrzehnt mit Dark Shadows, Frankenweenie, Big Eyes, Die Insel der besonderen Kinder und Dumbo nicht untätig war, lag eine “durchgesehene und erweiterte“ Neuauflage von “Mondbeglänzte Zaubernächte“ nahe. Die neuen Filme handelt Heger auf knapp zehn Seiten kurz, fundiert und erfrischend subjektiv ab.

Das Kino von Tim Burton

Sehr viel umfassender ist seine Auseinandersetzung mit Burtons zuvor entstandenen Arbeiten, die der Zahn der Zeit weitestgehend in Ruhe gelassen hat. Ausführlich wird die Entstehungsgeschichte von bildgewaltigen Werken wie Batman Returns, Sleepy Hollow oder Corpse Bride erzählt, die trotz ihrer sehr speziellen Machart und Erzählstruktur zu großen Erfolgen wurden. Hegers interpretiert und analysiert diese Filme sehr interessant und niemals abgehoben. So lässt er etwa durchblicken, dass ihm bei Sweeny Todd das permanente Gesinge ganz schön auf den Geist geht. Lediglich die vielen Zitate, die er  im englischsprachigen Originaltext belassen hat, stören ein wenig den Lesefluss.

Das Kino von Tim Burton

Hinzu kommen noch Informationen über Burtons Jugend, Frühwerk und die für ihn sehr deprimierende Zeit in der Zeichentrickabteilung der Walt Disney Company. Dass er dort eine niedliche Füchsin für Cap und Capper animieren musste, frustierte ihn schwer. Doch immerhin legte er hier die Grundsteine für seine späteren Kinofilme Frankenweenie und Nightmare before Christmas. Christian Hegers Buch lädt dazu ein sich erneut oder auch erstmalig auf das Werk von Tim Burton einzulassen, denn er belegt schlüssig, dass es hier immer wieder etwas Neues zu entdecken gibt.

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Tim Burton: Sweeney Todd

Eigentlich mag Tim Burton keine Musicals, doch als er am Broadway Stephen Sondheims Sweeney Todd sah, guckte er sich das Stück gleich noch ein zweites Mal an und begann eine Verfilmung ins Auge zu fassen. Dies verwundert nicht, denn die Geschichte vom mordenden Barbier aus der Fleet Street strahlt die selbe morbide Romantik aus wie Washington Irvings von Burton in beeindruckende Filmbilder umgesetzte Legende von Sleepy Hollow.

Tim Burton: Sweeney Todd

Höchstwahrscheinlich hat es diesen Sweeney Todd nie gegeben, doch einige Zeitungen berichteten im London des 18. Jahrhunderts über den dämonischen Barbier, der 160 Menschen anstatt sie zu rasieren umbrachte und von seiner Komplizin Margery Lovett zu Fleischpasteten verarbeiten ließ. Diese Geschichte wurde schließlich zu einigen Theaterstücken verarbeitet und auf Todds praktischerweise gleich mit einer seine Opfer in den Keller entsorgenden Kippvorrichtung versehenen Friseursessel wurde zum festen Bestandteil der Legende.

Tim Burton: Sweeney Todd

Der Autor Christopher Bond machte aus Sweeney Todd schließlich eine tragische Figur im Stile von Alexandre Dumas´ Der Graf von Monte Christo. Von jetzt an rächt sich der hintergangene Barbier am Richter Turpin, der ihn grundlos 15 Jahre in den Knast steckte, sowie Frau und Kind raubte. Diese Version wiederum verarbeitete Broadway-Veteran Stephen Sondheim, der bereits die Songtexte zur West Side Story schrieb, zu einem hübsch morbiden Musical (das auch in Kevin Smiths Jersey Girl eine gewisse Rolle spielt). Musikalisch orientierte sich Sondheim – thematisch durchaus passend – an den Soundtracks vom Hitchcock Hauskomponisten Bernard Herrmann (Vertigo, Marnie).

Tim Burton: Sweeney Todd

Die Titelrolle in Burtons Filmversion übernahm  2008 – für wohl niemanden wirklich überraschend – Johnny Depp, nachdem ihm ein Kollege seiner ehemaligen Band The Kids attestierte, dass er tatsächlich singen könne. Ebenfalls nicht sonderlich verwunderlich ist, dass Margery Lovett von Burtons damaliger Lebensgefährtin Helena Bonham Carter als Mischung aus der von ihr gesprochenen Corpse Bride-Puppe und Elsa Lanchesters Frankensteins Braut gespielt wird. Johnny Depp ist herrlich unberechenbar als Sweeney Todd (und auch als Sänger), die Nebenrollen werden (bis zu ihrem bitteren Ende) markant von Alan Rickman, Timothy Spall und Borat Sacha Baron Cohen gespielt.

Tim Burton: Sweeney Todd

Insgesamt sieht Sweeney Todd ganz unverkennbar aus wie ein weiteres Tim-Burton-Gesamtkunstwerk, was ja eher gut als schlecht ist. Bei aller immer wieder aufblitzenden Ironie und der kindlichen Freude am Massakrieren ist doch so viel Pathos und Tragik eingearbeitet, dass das Schicksal von Sweeney Todd niemanden kalt lässt.

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Charlie und die Schokoladenfabrik

Die einst florierende Schokoladenfabrik des geheimnisvollen Willy Wonka nimmt nach 15 Jahren wieder ihren Betrieb auf und soll erstmals der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden. In fünf der ausgelieferten Schokoladentafeln befinden sich goldene Eintrittskarten, die ihren Besitzern eine Vip-Tour mit Wonka garantieren. Der aus ärmsten Verhältnissen stammende Charlie Bucket findet eins dieser Tickets und bricht gemeinsam mit vier verzogenen Gören zu einer Magical Mystery Tour ins Schlaraffenland auf.

Charlie und die Schokoladenfabrik

Tim Burton (Nightmare before Christmas) gelang vor allem im ersten Teil des Filmes ein sehr eigener Zugang zur Geschichte, er blieb aber zugleich dem Geiste von Roald Dahl populären Kinderbuch absolut treu. Der ach so edle Charlie und seine arme Verwandtschaft hätten auch ganz leicht furchtbar weihnachtskitschig wirken können. Doch Burton gelingt das Kunststück eine Art fröhliche Armut zu zeigen, deren Darstellung trotzdem nie denunzierend oder verharmlosend wirkt.

Charlie und die Schokoladenfabrik

Johnny Depps mal wieder sehr spielfreudige und marottenhafte Darstellung von Willy Wonka erinnert mehr als einmal an Michael Jackson (auch wenn seine Figur Kinder verabscheut) und sein Süßwarenimperium an Neverland. Die immer wieder vom selben Darsteller (Deep Roy) verkörperten Hundertschaften von Oompa Loompas und ihre Danny Elfman-Songs sind eher Geschmackssache und auf Dauer etwas ermüdend. Zwar ist Charlie und die Schokoladenfabrik nicht Burtons absolutes Meisterwerk aber ganz sicher ein weiterer schillernder Mosaikstein im bunten Oeuvre des spleenigen Mainstream-Filmers.

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